sábado, 14 de junho de 2014

As Melhores Trilhas Sonoras do Cinema - Uma Lista Pessoal

            Não me considero uma pessoa muito amante da ordem, muito menos da hierarquia, mas gosto de fazer listas. Gosto de ordenar coisas que me chamem a atenção, e discutir essas listas com amigos. Sempre que digo isso me lembro um pouco daqueles caras da loja de discos do livro do Nick Hornby, Alta Fidelidade (caso haja alguma diferença gritante entre livro e filme, não me culpem, eu só assisti ao filme). Mas listas são legais, e, de uma forma ou de outra, acabam por me servir como espelhos de parcelas do meu pensamento.
            Tive a ideia de fazer uma lista para o blog, envolvendo duas manifestações artísticas pelas quais eu sou apaixonado: o cinema e a música. Então, organizei uma lista com as trilhas sonoras mais marcantes da história do cinema, com pequenos comentários sobre cada um dos filmes (e trilhas). Antes de começar a listagem, acho importante lembrar de que essa escolha é extremamente pessoal, e deve ser discutida. Discordem, concordem, me amem e me odeiem. Outro lembrete fundamental: colocar uma trilha em uma posição superior à outra não significa que eu a ache melhor, mas sim o fato dessa trilha ser mais marcante na minha vida, ou simplesmente o outro fato de eu ter me lembrado dela antes das outras.
            Vamos, então, passear pelas grandes trilhas sonoras da história do cinema:

1) A Missão – Esse é um dos casos em que a música é melhor do que o próprio filme. Bem melhor. E o filme é bom. A história de missionários cristãos e sua convivência entre os indígenas, no sul do Brasil, é acompanhada pela trilha sonora majestosa de Ennio Morricone, provavelmente o maior compositor vivo de música para o cinema. Alternando entre o intimista e o épico, Morricone consegue criar uma música que atravessa a beleza do filme, e reivindica para si um próprio espaço do belo. A trilha transcende o filme de forma espetacular. O Te Deum cantado em guarani é algo belíssimo, assim como os sons que acompanham a destruição da missão. Mas o que realmente ecoa para além da tela, que emociona e umedece olhos são as notas tímidas sopradas por Gabriel, personagem de Jeremy Irons, que evoluem para uma música grandiosa, a inesquecível “Gabriel’s Oboe”. O intimista encontra o épico, e uma obra-prima musical nasce.



2) Akira – Katsuhiro Otomo criou um universo fantástico em seu mangá Akira. Com uma ambientação cyperpunk, e questionamentos filosóficos sobre política e maturidade, sua obra foi um verdadeiro marco na ficção-científica. A adaptação para o cinema, comandada pelo próprio Otomo e lançada em 1988, teve que cortar muito do material original para conseguir uma montagem final de duas horas. Mesmo com cortes e com uma redução na complexidade da trama, o visual continuava lá, e a inquietação trazida pela história também. A direção de arte, responsável por dar vida à cidade de Neo Tokyo, teve um apoio essencial de Geinoh Yamashirogumi e Tsutomu Ōhashi (que utiliza o pseudônimo Shoji Yamashiro) na composição da trilha sonora. Fundindo instrumentos de percussão milenares com as últimas tendências da música eletrônica, os compositores nos trouxeram uma música de sonoridade única, repleta de contrastes, expressando exatamente a contradição do mundo onde os personagens de Akira vivem. As notas musicais que acompanham Kaneda em sua moto perseguem o espectador por muito tempo após o filme ter se encerrado. E o coro de vozes infantis utilizado no “Réquiem” é algo maravilhoso demais para ser descrito.



3) O Poderoso Chefão – Francis Ford Coppola transformou o filme de gângsteres em algo épico. Uma história de assassinatos, emboscadas e vinganças ganha o verniz de uma saga familiar. Momentos intimistas se ligam com momentos grandiosos. A trilha de Nino Rota tem como desafio passear pelos dois climas da história, e uni-los quando necessário. Colaborador de Fellini, Rota já havia composto belas trilhas evocativas, principalmente em A Doce Vida, Oito e Meio e Amarcord. Havia composto também a trilha ultra-romântica do Romeu e Julieta de Franco Zefirelli. Com essa bagagem, a união do filme de gângsteres com o épico, da história familiar com o grandioso é expressa por uma trilha sensacional, que passeia pelo sinistro e pelo triunfante. A cena em que Michael Corleone, vivido por Al Pacino, visita a terra natal de seu pai é um exemplo desse sucesso. Tudo fica ainda melhor no segundo filme da série, que contou com a colaboração do maestro Carmine Coppola, pai do diretor, na trilha.




4) Taxi DriverTaxi Driver é, nada mais nada menos, do que uma descida ao inferno. Travis Bickle, o personagem de Robert De Niro, exposto ao trauma do Vietnã e à violência da cidade de Nova York nos anos 70, mergulha em um pesadelo de sangue e ódio. O público é convidado a acompanhá-lo em sua perturbadora jornada. Bernard Herrmann, conhecido por sua colaboração com Alfred Hitchcock, recebeu a missão de musicar a primeira grande obra-prima de Martin Scorsese. Alternando solos belíssimos de saxofone com acordes distorcidos e perturbadores, Herrmann evoca a melancolia e a solidão de Travis Bickle, sem esquecer nunca da sombra que o rodeia, da sombra da violência que em algum momento deve explodir. Esse foi o último trabalho do compositor, que faleceu antes do lançamento do filme. Talvez ele tenha partido deixando como legado seu trabalho mais impactante.



5) Blade Runner – O compositor de música eletrônica grego Vangelis é mais conhecido pela trilha sonora do chatíssimo Carruagens de Fogo (aquela utilizada em toda transmissão de competições de atletismo na Rede Globo). Porém, seu grande trabalho é sem dúvida o clássico da ficção científica existencial, Blade Runner. Da mesma forma que em Akira, o desafio de Vangelis é compor uma trilha que una o novo com o tradicional. A base do enredo de Blade Runner são os filmes noir hollywoodianos. Deckard, personagem de Harrison Ford, é uma espécie de Humphrey Bogart deslocado no tempo. Mas, na realidade do filme, humanos colonizaram Marte e replicantes estão entre nós. E a Coca-Cola ainda existe. A trilha de Vangelis cumpre esses desafios com louvor, movendo-se entre o nervoso, o eletrizante e o delicado. Para emoldurar esse conto existencial, essa fábula sobre o sentido da vida, a escolha de trilha sonora não poderia ter sido feita de maneira melhor.



6) A Lista de Schindler – É muito difícil passar pelos minutos finais de A Lista de Schindler sem derramar uma lágrima. A história do industrial alemão que evitou a morte de uma série de judeus no Holocausto foi levada às telas por Spielberg de uma maneira profundamente tocante, escorregando poucas vezes para a pieguice habitual dos filmes do diretor (não tenho nada de muito forte contra essa pieguice, E.T. é um dos meus filmes preferidos). A trilha do incansável John Willians, premiada com o Oscar daquele ano, segue os mesmos passos. Extremamente tocante, extremamente bela, mas sempre sóbria, sem sentimentalismos exagerados. Essa seriedade só torna o filme mais impactante. E é importante destacar o trabalho do grande solista israelense Itzhak Perlman, responsável pelos límpidos e maravilhosos solos de violino da trilha.



7) Era uma Vez no Oeste – Quatro personagens principais. Quatro temas principais. Sentimentos evocados. Violência e poesia no oeste. Passados relembrados, um vingador misterioso, de poucas palavras. Assassinos de olhos límpidos, criminosos simpáticos e uma viúva com um senso de duplicidade bastante elevado. A marcha para o oeste, a ferrovia e o Oceano Pacífico. Essa aqui é melhor ouvir do que tentar descrever. Só assim pode-se entender o motivo do grande Ennio Morricone aparecer três vezes nessa lista (e olhem que eu deixei passar a trilha emocionante de Cinema Paradiso).



8) O Senhor dos Anéis – A Terra-Média criada por Peter Jackson é a melhor ambientação que uma história de fantasia conseguiu ter no cinema. A seriedade com que o diretor trabalhou esse mundo ficcional criou um senso de realismo que talvez nunca seja repetido. Nem o próprio Jackson teve sucesso absoluto ao revisitar a Terra-Média em O Hobbit. Um trabalho de ambientação tão bem-feito, extraindo o melhor dos livros de J. R. R. Tolkien, precisava de uma trilha sonora à altura, que ressaltasse o escopo épico da história. Não contente em realizar um trabalho competente, Howard Shore redefiniu a música para filmes épicos, da mesma forma que Peter Jackson estabeleceu um novo parâmetro para a direção de filmes grandiosos. Temas inesquecíveis, canções adequadas, grandiosidade por todos os quadros de filme. Dá vontade de pular na tela e passear pela Terra-Média. Destaco apenas uma curiosidade: em uma trilha tão grandiloquente, o tema que, mais se destaca, para mim, é o do Condado. Em meio a tanta grandiosidade, entre batalhas para definir o destino de um mundo, a música que mais me emociona são as belas notas que retratam a tranquilidade e a beleza interiorana do Condado.



9) Os Bons Companheiros (Goodfellas) – Essa aqui nem é uma trilha sonora original, mas sim uma escolha de músicas já compostas. Prática comum nos filmes de Martin Scorsese, a parceria do diretor com o músico Robbie Robertson para a escolha das canções a formarem a trilha sonora, resulta em algo extraordinário nesse clássico moderno. A recuperação de “Manish Boy”, clássico do blues famoso na interpretação de Muddy Waters, nos traz uma cena brutalmente agressiva e antológica. “What is Life”, de George Harrison, serve como moldura a momentos de perseguição, paranoia e carreiras de cocaína. Mas provavelmente o trecho mais sensacional é o olhar que Robert De Niro direciona à câmera inquieta de Scorsese, enquanto ouvimos “Sunshine of your Love”, do Cream. A lente de Scorsese fica estacionada e ninguém fala nada. Só se escuta a guitarra de Eric Clapton. Mas os olhos de De Niro, e a fumaça de seu cigarro nos dizem muita coisa. E nos dá saudades de quando o ator fazia bons filmes.




10) Três Homens em Conflito (The Good, the bad and the ugly) – O uivo da hiena marca, de forma indelével, a trilha sonora do grande filme de Sergio Leone. Em uma parceria histórica com Ennio Morricone, o popularizador dos western spaghetti nos traz uma história divertida e emocionante, durante a Guerra de Secessão nos Estados Unidos. Como faria, de forma ainda mais perfeita, em Era uma Vez no Oeste, Morricone utiliza a música para estabelecer a diferença de personalidade entre os três personagens principais, que aqui são O Bom (Clint Eastwood), O Mau (Lee Van Cleef) e O Feio (Eli Wallach). Procurando um tesouro perdido, em meio às balas dos canhões, os três aventureiros garantem ao público momentos antológicos, sempre marcados pela música, e pelo uivo da hiena. Um detalhe do brilhantismo de Morricone merece ser notado: em um filme com diversos momentos engraçados, moldados por uma música com tons humorísticos, o compositor consegue um efeito belíssimo ao trabalhar com temas mais sérios e violentos. Um excelente exemplo disso é a cena da tortura do “feio” Tuco. Enquanto o personagem é torturado de forma brutal, soldados do exército ianque tocam música do lado de fora da cabana de tortura. A intenção é fazer com que o som da música abafe os gritos. Os acordos sofridos sonorizam a violência, provocando um contraste emocionante. Os gritos são abafados, mas a emoção é amplificada. Isso torna o filme ainda mais satisfatório, e completo. A música colabora para isso, mas também tem uma força própria, fazendo com que seja constantemente retomada pela cultura pop. E, para aqueles que só conhecem a trilha pela abertura dos shows do Metallica: assistam ao filme já!


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